5 EPs qui préfigurent des carrières stellaires
Si le nom d’Asiahn ne vous dit encore rien, cela ne devrait pas durer. Avec son EP “This Is What It Feels Like”, sorti chez Motown Records, elle redéfinit ce que le R&B peut offrir aujourd’hui...
Quand on parle d’électro expérimental, difficile de ne pas évoquer Arca, figure incontournable de cette avant-garde. Artiste, productrice et performeuse vénézuélienne, Arca bouscule en permanence les codes. Son univers mêle glitch, dissonances, voix transformées et une théâtralité viscérale. Depuis son apparition au côté de Björk, en coproduisant l’album Vulnicura, jusqu’à son propre travail solo comme sur l’incandescent Kick (une série divisée en plusieurs volumes, amorcée en 2020), elle questionne tout : genre, perception, et même le sens même du mot "musique".
Avec Arca, chaque morceau ressemble à un organisme vivant — imprévisible, changeant, cosmique. Sa démarche est résolument contemporaine, défiant autant les structures musicales que la manière dont on consomme la musique. À l'image de son iconique “Non-binary”, elle affirme des identités multiples tout en imposant des compositions qui cassent l'homogénéité et s'écartent volontairement de toute linéarité.
Et si la technologie devenait l’alliée ultime de l’art ? Holly Herndon, à la fois musicienne et chercheuse, répond à cette question avec un son qui marie humain et machine. Avec ses outils audios basés sur l’intelligence artificielle, elle ne se contente pas de produire des morceaux : elle les co-crée avec des algorithmes.
Son album PROTO, sorti en 2019, est un exemple parfait : fruit de sa collaboration avec un réseau neuronal baptisé "Spawn". Holly y explore les interactions entre le vocalisme humain et les possibilités (presque infinies) de l'IA. L’album est une hybridation étrange, où la chaleur des voix chorales semble répondre aux distorsions numériques générées par des machines.
À travers des morceaux comme “Eternal” ou “Godmother” en collaboration avec Jlin, Holly Herndon change notre regard (et notre ouïe) sur ce que pourrait être la musique dans un futur technologique qu’on imaginait encore, il y a peu, purement froid et désincarné.
Impossible de parler d’avant-garde sans citer Tim Hecker, compositeur canadien bien connu pour son approche abstraite du son. Ses paysages sonores sont souvent décrits comme "cinématographiques", mais l'expérience qu'il propose est bien plus proche de l’immersion totale que d’un simple film imaginaire.
Avec des œuvres comme Ravedeath, 1972 ou Love Streams, Hecker joue avec des textures électroniques qui flirtent avec l’acoustique tout en manipulant le silence. Chaque piste est construite comme une ambiance à la fois familière et inquiétante, avec une base de drones agressifs et de mélodies distendues.
Ces compositions ont été saluées pour leur capacité à rendre palpable l’invisible — transformant le son en une architecture sonore unique. Mis en lumière par ses collaborations avec des institutions comme le Konzerthaus de Vienne ou la Havard University (où il a enseigné), Hecker reste une figure clé dans la réinvention perpétuelle de l’électro. Difficile, après l’avoir écouté, de percevoir le silence de la même manière.
Originaire de Suisse, Aïsha Devi impose une vision mystique et spirituelle de l’électro. Ses morceaux, souvent comparés à des expériences transcendantales, mêlent mantras déformés, basses percutantes et distorsions étranges. En tant que fondatrice du label Danse Noire, elle cultive un rejet des conventions pour favoriser une musique spontanée, crue, et profondément personnelle.
Sous ses allures hypnotiques, les œuvres d’Aïsha Devi explorent des thèmes comme la dualité, les états méditatifs, et la transcendance. À travers des tracks comme “Mazdâ” ou “Inner State of Alchemy”, elle crée des environnements sonores qui incitent davantage à fermer les yeux qu'à danser.
La force de sa musique réside dans ce contraste entre introspection et brutalité, une combinaison qui l’a amenée à être programmée lors de nombreux festivals de pointe comme Berlin Atonal ou Unsound.
Derrière le pseudonyme iconique Oneohtrix Point Never se cache Daniel Lopatin, un artiste qui s’amuse à court-circuiter nos attentes. En combinant éléments noise, synthwave et glitch, il tranche avec les structures conventionnelles des compositions électro. Le résultat ? Des morceaux parfois chaotiques, souvent émouvants, toujours surprenants.
Particulièrement remarqué pour sa bande-son du film Uncut Gems et ses albums comme Replica, Daniel explore un terrain où nostalgie et futurisme entrent en collision. Il manipule échantillons et boucles avec une esthétique post-internet, où la technologie se mue tantôt en adjuvant tantôt en menace. Son travail, oscillant entre abstraction et mélodie, agit comme un kaléidoscope sonore qui ne cesse de se réinventer.
Ce n’est pas seulement la musique que ces artistes redéfinissent : c’est notre manière de l’écouter, de la ressentir et même de la comprendre. À travers leurs explorations et leurs expérimentations, ils nous invitent à sortir de notre zone de confort. À accepter que les imperfections, les déséquilibres ou les ruptures ne soient pas des failles, mais des portes vers des horizons inattendus.
Loin du mainstream, ces artistes construisent des mondes qui touchent à nos émotions les plus primaires tout en nourrissant notre curiosité intellectuelle. Ils incarnent cette quête éternelle de repousser les frontières du son, mais surtout, ils nous rappellent qu’il n’y a pas de limites créatives lorsqu’il s’agit d’explorer l’inconnu. Alors, prêts à plonger dans leurs univers ?