5 EPs qui préfigurent des carrières stellaires
Si le nom d’Asiahn ne vous dit encore rien, cela ne devrait pas durer. Avec son EP “This Is What It Feels Like”, sorti chez Motown Records, elle redéfinit ce que le R&B peut offrir aujourd’hui...
Black Country, New Road est de ces groupes pour lesquels le terme “rock indépendant” semble parfois trop étriqué. Originaire de Cambridge (Royaume-Uni), ce collectif formé en 2018 propose une musique hybride, entre post-rock, jazz, chants folk et compositions empreintes d’une théâtralité poignante. Leurs deux premiers albums, "For the First Time" (2021) et "Ants from Up There" (2022), leur ont valu une place de choix parmi les fers de lance du renouveau alternatif.
Marquée par le départ soudain de leur chanteur Isaac Wood début 2022, la formation s’est réinventée avec des voix partagées entre ses membres, explorant des récits encore plus personnels. Leur capacité à tenir les spectateurs en haleine lors de lives, grâce à des montées en intensité d’une rare puissance, leur a valu des comparaisons flatteuses avec des légendes comme Talk Talk ou Arcade Fire. Une démonstration que le rock peut encore raconter des histoires qui serrent la gorge et enflamment les âmes.
On pourrait croire que Wet Leg, duo britannique issu de l’île du Wight, a surfé sur une simple vague de hype. Mais sous leurs morceaux faussement désinvoltes, il y a un talent évident pour les hooks mémorables et les textes aussi hilarants qu’acerbes. Formé par Rhian Teasdale et Hester Chambers, le groupe a explosé sur la scène indie avec leur tube “Chaise Longue”, mélange d’humour absurde et d’une basse entêtante.
Leur premier album éponyme, sorti en 2022, s’est imposé comme un classique instantané du rock contemporain, oscillant entre post-punk nerveux et pop impertinente. Lauréat du prestigieux Mercury Prize 2022, Wet Leg continue à prouver que le rock n’a pas besoin de se prendre trop au sérieux pour être marquant. Leur énergie live est communicative, rappelant que le plaisir brut est parfois la meilleure arme créative.
Quand on évoque la renaissance du post-punk, impossible de ne pas parler de Fontaines D.C. Les cinq musiciens dublinois ont gagné l’étiquette de "messagers du désenchantement" avec des morceaux imprégnés de mélancolie urbaine, posant des paroles saisissantes sur des riffs nerveux. Leur troisième album, “Skinty Fia” (2022), les a propulsés au sommet d’une scène alternative qui cherche à conjuguer poésie et intensité brute.
Contrairement à leurs contemporains britanniques plus frontalement provocateurs (coucou Idles), Fontaines D.C. cultive une approche introspective et presque littéraire, inspirée par des figures comme James Joyce. Ce style très personnel leur a valu une reconnaissance internationale et une nomination aux Grammy Awards dans la catégorie “Best Rock Album”. Un exploit qu’ils doivent à leur authenticité et au sentiment universel qu’ils savent distiller : celui d’un monde à la dérive.
Japanese Breakfast n’est pas qu’un groupe : c’est un projet nourri d’émotions et de résilience, porté par la charismatique chanteuse Michelle Zauner. Ce nom a peut-être résonné dans vos oreilles via “Jubilee”, leur album de 2021 qui a enchanté la critique. À mi-chemin entre dream pop et rock expansif, le projet ne suit aucun manuel, jonglant avec des orchestrations raffinées et des échos shoegaze.
Mais ce qui distingue vraiment Japanese Breakfast, c’est son attachement aussi sincère qu’introspectif à ses thèmes : le deuil, la joie, le passage du temps. Michelle Zauner consacre une énergie naturelle et sincère à transformer son expérience en un art lumineux. Cet équilibre entre vulnérabilité et dynamisme est au cœur d’un succès qui dépasse le rock et atteint des publics nouveaux.
Avec Goat Girl, le punk héritier des seventies trouve une résonance contemporaine et militante. Ce quatuor londonien, formé en 2015, trace son chemin entre satire sociale et riffs accrocheurs. Leur deuxième album, "On All Fours”, paru en 2021, a confirmé leur talent pour créer des atmosphères à la fois dansantes et grinçantes.
Les paroles, souvent politiques, tirent à boulets rouges sur des sujets allant de l’inégalité des sexes à l’urgence environnementale. Mais ce qui fascine, c’est l’équilibre qu’elles trouvent entre leur engagement et une approche musicale complexe, flirtant parfois avec l’expérimental. Goat Girl prouve que la passion et la colère peuvent être des carburants pour une créativité sans concession.
Si ces groupes dominent l’actualité indie-rock, il serait injuste de ne pas mentionner les mouvements effervescents qui bouillonnent à travers le globe. Des formations comme Los Bitchos, mêlant surf rock et cumbia, ou les Canadiens de Kiwi Jr., qui réhabilitent la désinvolture lo-fi des années 90, enrichissent la scène avec des couleurs nouvelles.
Et que dire des fermentations africaines du rock alternatif, comme celles menées par des artistes nigérians fascinés par le mélange entre musique traditionnelle et guitares fuzz ? À l’image du rock éthiopien revisité par Jin Jin Band, cette tendance prouve que le rock ne connaît aucune frontière ni limitation stylistique.
Si le rock indépendant continue de séduire de nouveaux publics, c’est grâce à cette capacité à rester imprévisible et vivant. En 2023, les héritiers de cette tradition prouvent que l’essence du rock ne réside pas dans son passé, mais dans son pouvoir à se transformer. Que ce soit par des fusions audacieuses, des textes subversifs ou une énergie brute, ces artistes perpétuent l’idée que le rock est un espace de liberté et de création inaltérable.
Alors, tendons l’oreille. Et souvenez-vous que les véritables révolutionnaires de la musique se cachent souvent loin des projecteurs aveuglants.